Nous rencontrons une artiste qui a fait de l’écriture un véritable don : Aurélia Gervasoni. Fondatrice de Sintonia, Poetry for Life, elle compose des poèmes pour des occasions spéciales, y compris des funérailles. Mais Aurélia est aussi photographe, créatrice d’installations et chercheuse en droit et littérature à l’Université de Zurich. Elle a fait de sa vie une œuvre d’art, et nous la découvrons aujourd’hui avec admiration.

Vous êtes une artiste véritablement multidisciplinaire et vous avez développé une activité de création de poèmes pour des occasions spéciales : comment avez-vous décidé de suivre ce chemin ?

J’ai toujours voulu devenir artiste. 

Au début, je pensais que j’allais devenir artiste peintre ! 

Une fois que j’ai appris à écrire, je n’ai plus jamais cessé. 

En parallèle, j’ai commencé à m’intéresser à la photographie à l’adolescence. Maintenant, j’essaie de lier les deux dans mes installations. 

L’idée de créer Sintonia est née durant un de mes blocus à l’université. Je voulais absolument trouver un moyen de redonner à la poésie une place importante dans notre société. Mon grand-père maternel a aussi été une inspiration pour moi ; il avait des yeux bleus qui disaient tout, mais lui ne disait rien… Une question de milieu, d’éducation, de facilité à exprimer ses sentiments. En créant Sintonia, j’ai voulu rendre la poésie et son art plus accessibles. De là, j’ai aussi cherché des partenaires avec lesquels m’associer pour proposer ce service comme des maisons funéraires, par exemple.

Quel est votre plus beau moment jusqu’à aujourd’hui ?

Une dame âgée qui m’a demandé de rédiger un poème pour ses propres funérailles. Elle n’a plus de famille et voulait préparer sa célébration à l’avance. Je l’ai rencontrée chez elle, nous avons longuement discuté de sa vie, de son histoire, et à la fin j’ai écrit un poème qui l’a beaucoup émue. Cela me touche de savoir qu’elle partira avec la certitude qu’un poème qu’elle a co-créé sera lu à sa cérémonie de départ.

Quel est votre prochain défi ?

Trouver davantage de partenaires, également dans le milieu des célébrations de mariage. Promouvoir aussi davantage mon service dans ce milieu, peut-être via des salons ?

Comment travaillez-vous votre créativité pour rester toujours inspirée ?

Écrire un poème pour une occasion spéciale, c’est avant tout écouter la personne ou la famille qui le crée avec moi. Mon inspiration et mon énergie pour Sintonia sont puisées dans le lien humain qui se tisse dès les premiers échanges jusqu’à la lecture finale du poème. J’adore écouter les histoires de vie, les souvenirs… et je pense que cet aspect de mon travail est le plus important, et pour les personnes qui font appel à ce service aussi. Ces moments sont souvent joyeux malgré les circonstances, et on se retrouve à rire sur d’anciens souvenirs à la veille de funérailles ! Ces détails-là me prennent au cœur et donc, à la plume aussi. 

En ce qui concerne la poésie que j’écris « pour moi » et dans le cadre d’une pratique littéraire tournée vers la publication, l’inspiration vient quand elle veut et surtout, quand elle peut. 

Les arts visuels et idées d’installations me viennent souvent lors de longues promenades en ville.

Trouvez-vous qu’en Belgique, il existe une culture favorable à l’art et à l’entrepreneuriat ?

En tant qu’étudiante-entrepreneuse, j’ai bénéficié d’un accompagnement par ICE Louvain durant deux ans qui m’a énormément aidé. Mon coach, Sébastien Legrain, a été fondamental dans le développement de mon activité. L’accompagnement était 100% gratuit, et je trouve que c’est une chance inestimable en Belgique pour les jeunes entrepreneurs. En ce qui concerne l’art, et en particulier la poésie, je pense que certains espaces et maisons d’édition se spécialisent de plus en plus. Je pense notamment à Aurélien Dony, jeune poète belge très actif qui vient de créer une nouvelle maison d’édition de poésie. Toutefois, je pense que les artistes en Belgique restent dans des situations précaires, sont contraints d’accepter du travail non-rémunéré et qu’il est difficile de trouver des endroits où performer / exposer. 

Des communautés ouvertes et solidaires sont actives notamment à Bruxelles, mais quid de la Wallonie ? ou si l’on ne connait pas « les bonnes personnes » ? ou simplement, si l’on est trop accaparé par son job alimentaire que pour créer ?

Quels conseils donneriez-vous à une personne souhaitant entreprendre ?

Persévérer toujours, et veiller à s’entourer de personnes qui vous encouragent et vous soutiennent vraiment. 

Le personnel a une incidence énorme sur le professionnel, alors exit les relations toxiques ! 

Comment peut-on commander vos services et où peut-on vous trouver sur les réseaux sociaux ?

Il est possible de me contacter via l’adresse email info.sintoniapoetry@gmail.com, ou via mon site internet SINTONIA | Poèmes sur-mesure pour particuliers et entreprises | Aurélia Gervasoni. 

Mes réseaux sociaux : @aurelia_grv / @sintoniapoetryforlife

Merci beaucoup pour votre temps avec nous, Aurélia ; nous vous souhaitons un avenir radieux.

Brusselaxation, de Samuel López-Lago nos puso la cabeza del revés. Little we knew that you could relax in Brussels and about Brussels.

La idea nos resultó brillante desde el principio y mira que relajarse y Bruselas parece un oxímoron.

Aficionadas, como somos, a alertar sobre el gris de Bruselas, la distancia de sus gentes y el estrés asociado a todo lo que lleva EU delante, ver que alguien tuvo la lucidez de hacer un libro de mandalas y haikus ambientado en Bruselas, nos dejó sin palabras.

Entre sus páginas, mandalas del Atomium y del archiconocido (a la par que extraño) Manneken Pis. El Niño que Mea, sin que sea percibido por nadie y para sorpresa de todos (o al menos mía), como una broma que llegó demasiado lejos.

Sus haikus, invitan a conectar con la naturaleza y la calma. 

Lo que no te esperas, si es que hasta ahora no estás lo suficientemente sorprendida o sorprendido, es que se trate de un libro-objeto concebido como un caballete. La idea es acabar tu mandala y enseñárselo a toda la oficina, para que se relajen también y tú te acuerdes de que estás relajado/a.

Más allá de nuestro humor, está demostrado científicamente que pintar mandalas es altamente relajante y favorece la concentración y la creatividad.

Lo que compartimos con Brusselaxation, y que nos toca particularmente es el plurilingüismo. Nos hemos acostumbrado a hablar inglés, francés, o español según el contexto y no creemos que haya nada más bruxellois. La obra incluye esos tres idiomas y el neerlandés.

Samuel se define como un tecnólogo y creador multidisciplinar. Estamos realmente felices de que su mirada distinta se haya colado en las páginas de Purcuapà Magazine.

Podéis ver dónde comprar el libro aquí: https://brusselaxation.com/ o directamente en la Editorial Experimenta, aquí. 

Alba María Millán Gómez nació en Valencia en 1994. Su primer poemario, "Ahí estaré, Mamima", recorre un viaje de introspección en cuatro estadios de la mano de la palabra atenta y sosegada de su abuela.

Donde empiezo, Donde Afirmo, Donde Cedo y Donde Reconcilio, nos ayudan a navegar nuestra impaciencia, nuestras dudas y nuestra falta de serenidad, para hacernos entender que, pese a las tormentas, algo más grande y organizado está al mando de todo.

"¿Tú no ves como las rosas van abriendo sus coronas tan lento, que hace a engaño si saldrán flores hermosas?"

podría convertirse en mantra para todas aquellas personas que hemos intentado varias cosas, muchas veces, sin que parezca que sea para nosotras. 

Un recordatorio diario de que hay que vivir con fe. 

"Convierte el secreto en grito (...) La rabia nos protege".

La voz sabia se su abuela nos recuerda a la mujer salvaje de Clarissa Pinkola Estés, una mujer que todo lo sabe, que todo lo sabía, antes siquiera de saber que lo sabía. 

Con una poesía estructurada, sistemática e infalible, Alba nos recuerda que la poesía no es sólo sensibilidad estética sino vehículo de esperanza. 

Recomendamos encarecidamente esta lectura que es un canto a medio camino entre la paciencia y la persistencia y que leeremos una y otra vez.

Puedes comprarlo aquí. 

- Un artículo de Leticia Vicario - 

No es casual que cuanto más nivel económico hay, mayores son la contaminación y los sistemas de producción extrema. 

En la vorágine capitalista, el sistema diseña productos asegurándose de que a cierta altura dejarán de funcionar. 

Parece obvio que tales centros de reparación podrían ser una iniciativa pública previa a los vertederos.

El capitalismo se sostiene en las decisiones diarias de millones de personas. 

Pero acaba y empieza, con nosotros y nosotras.

A esta isla mágica y salvajemente bella no se llega: es ella quien te invoca.

Cual isla de Lost, La Gomera parece existir sólo para quienes son llamados por ella. No figura del todo en los mapas. Respira, ajena a las reglas de este mundo, y guarda una magia ancestral que escoge a sus visitantes. Quienes conseguimos llegar, comprendemos un misterio atávico: que no fuimos nosotros quienes la encontramos, fue la isla quien decidió dejarse hallar. Y no por casualidad.

Magnética, indómita, casi inexplicable. Nos recibió después de un laberíntico viaje por tierra, mar y aire, ya de noche, húmeda y prendida de neblina tras el paso de la borrasca Therese. Todavía aturdidas por la marejada, entramos en una especie de ensoñación que, aún hoy, permanece.

En la oscuridad, se intuye la inmensidad de los bosques de laurisilva, el vértigo al otro lado de la noche. Acompaña en silencio, como una sombra, sin revelarse del todo hasta la mañana siguiente. Ese camino al Caserío de la Playa, en el Valle Gran Rey, encadena un remolino amortiguado de emociones: la cabeza, enferma de urgencia por un TDAH que se agudiza con las responsabilidades mal gestionadas; el pecho, desconectado de la piel para protegerse del caos anclado en la espina dorsal. Y, muy cerca, la cura. 

Casi como si la isla hubiera tomado forma humana, Gloria Negrín -acompañada siempre de sus dos perros del alma, Golfo y Tritón- nos abre las puertas de su casa, con una botella de su Rajadero en una mano y su inseparable guitarra en la otra. A corazón abierto. Ella elabora vino y toca desde más allá de las costillas, desde ese lugar profundo y telúrico al que Lorca puso nombre en sus Bodas de Sangre. 

"Cuando las cosas llegan a los centros, no hay quien las arranque".

La Gomera está poblada por criaturas tan libres, mágicas y salvajes como ella misma. Mujeres magas -así se llama en Canarias a las mujeres rurales- unidas al campo desde y hasta la raíz. Como ese himno que Natalia Lafourcade escribió sin saber que también le cantaba a esta isla: "Hasta la raíz". En Altos de Chipude, esa bodega fascinante en la que Gloria mantiene viva la memoria de sus ancestros (ay, Don Antonio, "Pribilo"), se reúnen para celebrar una romería primaveral de San Andrés.

"San Andrés se pasea y llega hasta la bodega" al ritmo de tambores tribales. Y entonces la piel empieza a recordar. 

Que no pertenece al trabajo, ni al ruido, ni a la prisa. Que siempre fue de la tierra.

Arriba, en La Montaña, Gloria escucha el mismo latido: "Tengo mucha raíz, mucho arraigo. A mí me movió el origen, me dio una puntadita en el corazón". Sus vinos, nacidos de la viticultura heroica entre andenes (bancales), "tienen que llegar primero al corazón y contar historias". Y lo hacen: cada sorbo parece abrir un hilo que tira hacia dentro, hacia la tierra. Hacia lo que nunca se extingue.

De Rajadero a La Montaña, de Pribilo a su Chácara Ancestral. A estas alturas, todas nos convertimos en hermanas de la Forastera Gomera, esa uva evocadora que huele a bosque de laurisilva, fresca y salina, única en el mundo. Y la veneramos en cada rincón de la isla, tatuada en una camiseta que pone nombre a nuestro aquelarre: "Forasteras (y como en casa)".

Desde el Mirador de la Ermita del Santo (o Mirador del Santo), donde La Gomera reivindica su belleza exuberante y vertiginosa; hasta el Parque Nacional del Garajonay, absolutamente élfico, lo más parecido a Rivendel lejos de la Tierra Media. Pero también en las divertidísimas noches de parranda de El Palmar, en los atardeceres atravesados por damajuanas que parecen albergar conjuros clandestinos. En esa playa de Valle de Gran Rey donde hicimos el primer anclaje para regresar a ella cada vez que nos alejemos demasiado de su hechizo.

El último anclaje fue en la Laguna Grande, junto al bailadero más mítico de la isla: un círculo de piedras donde, según cuentan, las brujas se reunían para danzar y entregarse a sus rituales. Hay incluso quien dice que su energía hace perder la noción del tiempo, que los minutos se convierten en horas.

Yo solo sé que allí, descalza y forastera, me acordé de lo bien que se me daba vivir.

Quizás sólo necesitaba invocarme a mí misma. O quizás fue el poder de cuatro (cinco con Gloria) el que me llamó de vuelta. Sólo sé que un pedacito de mi corazón ingobernable se quedó en La Gomera. A veces, desde mi terraza, veo La Mérica. Y constelaciones que no sabía que existían hasta que toqué aquel cielo. 

Y, de repente, entiendo que no nos hacía falta ningún anclaje. Porque ella es nuestra Constante. "Así, te protejo. Aquí, sigues dentro. Yo te llevo dentro, hasta la raíz".

Así, el lector no “visita” un destino, sino que lo habita.

The exhibition I Am Here – Je suis là – Ik ben hier brings into dialogue artists and researchers to explore the evolving concept of self-representation in contemporary society. Through a multidisciplinary approach, the project examines how individuals construct, perceive, and perform identity—from traditional self-portraiture to the omnipresence of digital imagery. 

At the intersection of art and science, the exhibition invites visitors to reflect on themes such as visibility, narcissism, and the need to assert one’s presence in an increasingly image-saturated world. By combining artistic installations, interactive works, and academic research, I Am Here creates a dialogue between subjective experience and collective behavior. 

The project highlights how the act of saying “I am here” has transformed over time. What once belonged to the realm of painted self-portraits now extends to selfies, social media, and digital avatars—raising questions of authenticity, perception, and selfhood. 

Hosted in Brussels and developed in collaboration with researchers and cultural actors, the initiative fosters an immersive experience where visitors are encouraged to engage actively with the works and reconsider their own relationship to image and identity.

First-floor intervention: “Le visage c’est un autre” 

On the first floor of the exhibition, visitors encounter Le visage c’est un autre, a project developed by the ASBL MadeWithHeart. This installation expands the initiative’s reflection on identity by focusing on the merging of the visitor's face with someone else's face. 

Conceived as a Photomaton booth, it resonates with the broader exhibition themes as it examines how we recognize ourselves—and are recognized by others—in an era dominated by visuals, appearance and the pressure to remain emotionally composed at all times.

The intervention gives voice to 29 women and their stories, in the form of poetic texts interpreted by the women themselves. It adds an intimate yet unsettling layer to the exhibition, inviting visitors to reconsider the stability of the “self” when filtered through perception, memory, and unexpected personal storytelling.

The exhibition runs until 31 May at the Espace Vanderborght Rue de l'Ecuyer, 50, 1000 Brussels. 

Some weeks ago, we had the enormous pleasure of visiting the private atelier of Antoine Detaille. As it was our first visit to an artist's working space, we felt half enthusiastic, half shy, and we understood how privileged we were.

The visit was a story of transformation.

Antoine spent the previous 18 years as part of the artist duo Hell'o. We wanted to understand how that worked in practice. The compatibility was so high that they barely had disagreements and the pieces were organically developed by four hands and two creative minds. At the conception of each piece, there was more exchange.

Once the piece was conceived, execution was a natural duo dance. 

But there were differences. Differences that we would have never seen if the decision to split had not taken place. 

Moving away from abstract yet very defined shapes, Antoine needed to express a rawer form of art. 

The inspiration came from his daughter, connected with colour and intuition. The first solo project was a collaboration with textile artist Shishi San, making tapestries out of his daughter's drawings. 

The fear of not having a similar income while working on his own, made him rush. Antoine developed more than 200 drawings, interpreting different characters in a series called Weirdos. 

It does feel weird, surrounded as we are by constraints, watching an adult having so much fun.

One could say that it challenges or opens an artistic dialogue with an exhibition he hosted while he was part of Hell'o, called ICONS. We let the audience decide. 

A professor at the university where he studied, Antoine invites his students to develop their art both commercially and purely artistically. The best advice he can give is

produce.

Even when it does not feel right, even when the result does not please us, even when the future is uncertain. 

As for what to do with the pieces you dislike, we got another surprise: Antoine throws them away, ignoring the fact that in two weeks he may like them, that potential clients could love those pieces or, what is worse, that his agent had already shown interest in those pieces that he dismisses.

The light enters through the windows and we also feel we could sit there and draw, following our intuition, with no fear, and allowing pink, orange, green and yellow to fill our days. 

We now go to sleep more comfortably, knowing that under the too-often grey Brussels sky, someone is bringing colour to life. 

This visit was organised by the Artistic Programme of the creative community, Vanna, which you can get to know in an interview we had with them. 

Forever grateful. 

- An article by Leticia Vicario - 

Hace un tiempo que me devora la nostalgia. Creo que no hay peor nostalgia que la de constatar que has perdido el tiempo.

Diez años de mi vida se han pasado sin darme cuenta. Y mira que han pasado cosas que me querían despertar del "más adelante", "cuando esté bien", "cuando me entiendan", "cuando me den una oportunidad".

Se han ido diez años de mi vida pendientes del qué dirán. Veo como personas adultas siguen construyendo su vida en base a lo que les dicen los otros, lo que deciden pagarles, lo que otros deciden sobre dónde vivir.

Pasan los años y te acuerdas de la profesora sin autoestima que intentó que tu también la perdieras, las personas tristes que quisieron contagiarte, los rollos de verano que salieron realmente mal.

Me acuerdo estar en La Graciosa y no tener dónde cenar, porque todo cerraba, y que la persona con la que estaba insinuara que no me iba a pasar nada por irme a la cama un día sin cenar. Chiquito cretino. 

Me acuerdo de un Ford que arrancaba mis entrañas cada vez.

Me acuerdo de una persona que había estado siempre y un día se convirtió en plástico y nunca más contó.

Diez años a prueba de bala, en lo que parece una danza retorcida del destino para que ya no aguante ninguna más. 

Castings de último minuto que nunca tienen call back. Personas que te rebotan sus fallos y te hacen arrepentirte por haber dejado que estuvieran cerca de ti.

Todo lo que parece inocuo es en realidad nuestro día a día, y entran muchas personas erróneas si dejas la puerta abierta. Atentos también a las ventanas, a cualquier resquicio de accesibilidad.

También me acuerdo de los atardeceres sola en Cerdeña, de la primera vez que me subí en Etihad. Del agua turquesa de Maldivas. Del día que Abdessamad bajó a buscarme en chilaba y supe que iba en serio.

Las esperas a que todo salga bien se han devorado diez años de mi vida. El pánico es que vuelva a pasar con otros diez. 

Me pregunto dónde se vive sin tener la sensación de que alguien está viviendo tu vida y no eres tú. 

Qui dit mieux ? Dans son édition 2026, ce concours et exposition itinérante nous a rappelé l’importance de soutenir les jeunes.

Nous avons constaté à quel point le talent peut s’exprimer très tôt et qu’il est impératif de valoriser les jeunes et de les rapprocher d’expériences professionnelles, même lorsqu’ils n’ont pas encore 18 ans.

C’est le cas de Sara Dowgui, que nous avons déjà interviewée afin de découvrir sa marque, Ibiscus.

Dans cette exposition, ayant pour thème l’éclipse, elle a créé un kimono pour sa marque, en réfléchissant à cette thématique, et l'a nommé LEND°M.

 " L'œuvre est réalisée en bogolan tissé et teint à la main, à partir de pigments naturels issus de plantes et de minéraux, fixés grâce à l'action du Soleil. Ce processus inscrit la lumière au cœur même du textile, tout en servant un propos centré sur l'ombre et l'invisible ". 

D’autres œuvres ont également retenu toute notre attention :

Zénith noir, d'Esteban Taillefer. " Cette œuvre était pour moi un excellent moyen de jouer avec une de mes figures de style préférées : l'antithèse, ou le paradoxe. L'éclipse en est, à mon sens, la représentation parfaite : c'est une nuit en plein jour, la petite Lune qui cache le grand Soleil ". 

Éclipse urbaine, de Charlotte Nicolas. " L'éclipse urbaine, c'est un moment où l'on se retire dans son cocon lorsque la ville devient trop bruyante, trop dense, trop stimulante ". 

Organisé par l’asbl PROMO JEUNES et visant à valoriser les moins de 31 ans, « Qui dit mieux ? » est un concours créatif. Il propose à des peintres, photographes, sculpteurs, stylistes… de créer une œuvre autour d’un thème différent chaque année.

Vous pouvez voir l’exposition du 30 avril au 6 mai à Liège, au Hangar, et du 18 mai au 2 juillet à Tournai, à l’Espace Wallonie.

Cuando hablamos de “moda latinoamericana”, muchas veces creemos que estamos hablando de una identidad clara. Pero, ¿realmente existe una sola forma de vestir en un continente tan diverso?

¿De qué hablamos cuando hablamos de moda latinoamericana?

Hay algo que me genera ruido cada vez que escucho el término “moda latinoamericana”. Como si pudiéramos resumir un continente entero en una sola estética: colores vibrantes, estampados, algo tropical, algo “alegre”.

Pero Latinoamérica no es una tendencia.
Es un territorio lleno de contrastes.

Y la moda, como cualquier forma de expresión, no escapa a eso.

Un continente que no se viste igual

Y lo pienso mucho desde donde vengo: Bolivia.

Un país que, en sí mismo, ya contiene múltiples formas de entender la ropa.
Tenemos regiones andinas, amazónicas y del Chaco. Tres climas, tres ritmos, tres formas de habitar el cuerpo.

En los Andes, por ejemplo, la pollera no es sólo una prenda: es identidad, es historia, es resistencia y herencia. Pero también responde a un contexto, a un clima, a una forma de vivir.

Mientras que en otras regiones, como en el oriente, encontramos prendas completamente distintas como el tipoy: un vestido ligero, suelto, pensado para el calor, para el movimiento, para otra relación con el entorno.

Y entonces pienso: si en un sólo país ya existe tanta diversidad…
¿cómo podríamos pretender resumir la moda de  todo un continente en un artículo o reporte de tendencias?

No se viste igual alguien en México que alguien en Argentina.
No se viste igual alguien en Colombia que alguien en Brasil.

En Brasil, la relación con el cuerpo, el color y la sensualidad construye una estética completamente distinta, mucho más libre, más visible, casi como si la ropa fuera una extensión natural del movimiento.

En Argentina, muchas veces vemos una estética más sobria, más urbana, más cercana a lo europeo, donde el negro y las siluetas limpias dominan el lenguaje visual.

Mientras que en Colombia o México, el color, el volumen, los bordados y la artesanía tienen un peso cultural fuerte que atraviesa tanto lo tradicional como lo contemporáneo.

Entonces, ¿de verdad podemos hablar de una sola moda latinoamericana?

La influencia y el giro

Durante mucho tiempo, la moda europea ha sido una referencia constante en Latinoamérica. Hemos admirado sus códigos, sus siluetas, su forma de entender la elegancia, y en muchos casos también la hemos adaptado a nuestra realidad. Pero hoy algo está cambiando. Cada vez hay más diseñadores, marcas y personas que están mirando hacia adentro, hacia sus raíces, su cultura y su entorno. No como una tendencia, sino como una forma más honesta de expresión. Una moda que no busca parecerse a otra, sino entenderse a sí misma.

El problema de simplificar

Reducir Latinoamérica a una sola estética no sólo es impreciso, es injusto.

Porque borra matices.
Porque ignora historias.
Porque convierte identidades complejas en algo consumible.

Y en un mundo donde la moda cada vez se vuelve más global, más rápida, más homogénea… entender estas diferencias se vuelve aún más importante.

La moda como lenguaje cultural

La ropa no es sólo lo que usamos.
Es lo que decimos sin hablar.

Y en Latinoamérica, ese lenguaje es profundamente diverso.

Se expresa en textiles, en colores, en formas, en cómo cada cultura entiende el cuerpo, el clima, la calle, lo cotidiano.

No hay una sola narrativa.
Hay muchas.

Entonces, ¿qué es la moda latinoamericana?

Tal vez la respuesta es más simple de lo que creemos:

No es una estética.
Es una suma de identidades.

Es la posibilidad de ver un continente entero a través de múltiples formas de vestir, de crear y de habitar la moda.

Y ahí está su verdadero valor.

Latinoamérica no necesita definirse en una sola imagen para ser entendida.
Al contrario, su riqueza está en no poder resumirse.

Porque cuando dejamos de intentar encasillarla,
es cuando realmente empezamos a verla.

Vaya por delante que nadie entiende lo que hacemos, pero nosotras sí. 

2025 fue un año de mucho crecimiento. Eso nos permitió tener colaboradoras permanentes y concebir nuestra segunda colección. Probablemente será la última, porque hemos encontrado, como todas las empredendedoras, muchos retos. 

La primera colección fue SPLASH, que celebró el color y la fuerza que sacamos cuando estallamos y decidimos que todo va a ser como nosotras queramos y no como nos obliguen. SPLASH fue un canto a la alegría.

PARADOX nos traslada a un universo más maduro, cuando incluso entre colores, tu alma te pide cierta seriedad, respondiendo a una cierta necesidad de poner distancia con el entorno. No porque ya no tengas alegría, sino porque quieres guardarla muy en el fondo de ti porque es tu mejor refugio. 

PARADOX te invita a guardar lo que eres y mostrarlo en su versión más sobria. Por si acaso. 

Resolvamos pues quiénes somos. 

Purcuapà es una agencia de comunicación y redes sociales especializada en asesorías y creación de contenido para marcas y proyectos que empiezan. 

Purcuapà Magazine es una revista de vida lenta, creatividad y cultura, editada por la agencia. Es el medio que queríamos que existiera. Como no existía, lo creamos. 

Las colecciones, son una forma más de expresarnos y hacer que nuestra filosofía llegue a más gente. Las vendemos en la página web de la agencia y en los eventos que organizamos alrededor de la moda lenta y ética. Nuestras piezas están diseñadas en España o en Italia y producidas en España, Italia, o Marruecos. Podrás comprar PARADOX en el evento que hemos organizado el 26 de abril. 

Purcuapà es la trasliteración fonética de Pourquoi pas ? en francés, que significa ¿Por qué no?

Vamos en contra de todos esos pensamientos y comentarios limitantes que no te dejan hacer lo que quieres, sobre todo de los nuestros. 

Tenemos la sensación de que la única manera de transmitir nuestra filosofía es hacer nosotras primero lo que realmente queremos; seguir, pese a las ideas preconcebidas de que son demasiadas cosas, o demasiado diversas.

Nosotras decimos, sí, pero ¿por qué no?

Por no entrar en que la fundadora de todo, Purcuapà, Purcuapà Magazine y las colecciones, trabaja en proyectos europeos, es actriz y ha empezado a escribir. 

More is more, amigas.

Aunque ya os hemos hablado de esta marca en el pasado, y tenemos algunas de sus piezas en nuestro joyero, volvemos a traeros a WOONDER, hoy bajo el lema de More is more. 

Fundada en 2021 en Madrid, esta marca de joyería se centra en anillos, pendientes, colgantes y brazaletes que marcan la diferencia. Destacamos la versatilidad de sus piezas, que te permite usarlas en el día a día para marcar presencia o en ocasiones especiales, donde parece más legítimo ponerse guapa del todo. 

"Creemos que una joya puede hablar por ti, revelar tu esencia, tu fuerza, tu belleza. Puede hacerte sentir poderosa, auténtica y radiante" nos dice la marca.

No podríamos alinearnos más con la idea de que lo importante es ser tú misma, y usar piezas de joyería que te ayuden a definir quién eres. Nosotras tenemos dos anillos de la marca, grandes y coloridos, como nuestros sueños. 

"Desde el primer día, nuestro propósito ha sido crear piezas que empoderen, que hagan brillar a quien las lleva, no sólo por fuera, sino desde dentro. Queremos que, al ponerte una joya de Woonder, sientas que estás celebrando quién eres."

Ese sueño legítimo de Lourdes, de hacer a las mujeres más felices, está ahora capitaneado por tres mujeres espléndidas: la misma Lourdes, María, y Alicia.

Os deseamos un camino aún más brillante, aún más abundante.
Nosotras pronto encontraremos más razones para seguir celebrándonos y hacernos con nuevas piezas.

Slowers anuncia la apertura de la preventa de Fénix, su colección cápsula limitada de calzado barefoot fabricado en España con materiales reciclados de nueva generación y un enfoque de producción bajo demanda. La preventa estará disponible del 1 al 30 de abril a través de los canales oficiales de la marca, con entrega prevista a partir del 21 de junio. Con este lanzamiento, Slowers refuerza su compromiso con una sostenibilidad real y práctica —evitando sobrestock y desperdicio— y con el bienestar del pie como base de salud preventiva y movimiento consciente.

Fénix nace para quienes entienden el calzado como una decisión que afecta al día a día: cómo caminamos, qué postura tenemos, qué libertad de movimiento tenemos y qué impacto dejamos. Por eso, Slowers apuesta por un modelo claro: fabricar sólo lo que se pide, 

con una cadena de valor local que prioriza el detalle, la trazabilidad y el respeto tanto por el planeta como por las personas que hacen posible cada par. 

La colección incorpora materiales reciclados y orgánicos de gran calidad pensados para reducir impacto sin renunciar a la funcionalidad. Entre ellos, destacan componentes derivados de café Km0, suelas recuperadas que vuelven al ciclo productivo y TPU, en una mezcla 100% reciclable y alineado con su visión de circularidad. Esta elección de materiales se acompaña de un objetivo concreto: durabilidad, atemporalidad y respuesta en el uso diario.  

El proceso de fabricación mantiene un enfoque artesanal y responsable. La producción local permite trabajar con tiempos realistas y estándares exigentes, evitando la presión de la fabricación masiva. “La preventa no es sólo una oferta: es una manera de producir con sentido, ajustando recursos a la demanda real y defendiendo un ritmo compatible con la calidad”, señala Laura Hortal CEO de Slowers. 

En paralelo, Fénix se apoya en los principios del barefoot, un tipo de calzado que busca respetar la anatomía y función natural del pie. Su propuesta se traduce en más espacio para los dedos, una mayor sensación de estabilidad y una pisada más consciente, favoreciendo la libertad de movimiento y una postura más alineada. “El zapato no es un complemento estético: es la base biomecánica de nuestro cuerpo. Cuando se respeta su forma y su función, cambia el equilibrio y la percepción de nuestro cuerpo”, añade Laura. 

Como colección cápsula, Fénix es deliberadamente selectiva: 

pocas unidades, diseño funcional y una intención de reducir el ‘ruido’ de la novedad constante. 

La inspiración detrás del diseño parte de la idea de renacer con coherencia: materiales que vuelven a tener vida, procesos que reducen desperdicio y un producto pensado para acompañar con sobriedad y carácter. La colección se presenta en una paleta de tonos naturales y urbanos, coherente con su enfoque esencial, y construida sobre la combinación de café Km0, suelas recuperadas y TPU reciclable como hilo conductor.

Durante el periodo de preventa (1–30 de abril), Fénix estará disponible con precio preferente entre 135 euros, además de ventajas exclusivas asociadas al formato de preventa como ebook, meditaciones o video-clases.

Hazte con tu par aquí: https://eco-slowers.com/